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Len Metcalf
 

Artist's Statement:

Ich verstehe mich als Künstler, der auf Papier arbeitet. Ich bin kein ‚Fotograf‘. Und die Kamera ist für mich nur ein Medium. Früher waren es die Radierung, die Lithographie und Kohlezeichnung, es waren Bleistift, Feder und Tinte. Das waren meine monochromatischen Werkzeuge, bis ich begann, meine Zeichnungen mit der Kamera zu machen und sie mein Hauptinstrument wurde. Ich habe eine Art Liebesbeziehung mit Papier, Bambus, Baumwolle, Washi und Kozo. Papier ist schön, weil es uns mit der Natur, mit dem Rohen verbindet, mit den Materialien aus pflanzlicher Materie, aus denen es hergestellt ist. Und dadurch erinnert es mich daran, wo unser Lebensblut herkommt.

Die lange Geschichte des Zeichnens auf Papier ist mein größter künstlerischer Einfluss. Ich arbeite in einem visuellen Medium. Es setzt auf visuelle Kommunikation. Unsere visuelle Kompetenz kommt letztlich aus der Kunst und ich bin inspiriert von den großen Zeichnern dieser Welt. Japanische Tuschezeichnungen zogen mich schon in meiner Jugend an. Norman Lindsay mochte ich wegen seiner figürlichen Darstellungen, Rembrandt wegen seiner Radierungen. Caravaggio faszinierte mit seinem Helldunkel-Spiel. Dürer mit seiner Zeichenkunst. Pollock war wichtig, wegen der Freiheit des Ausdrucks, die er brachte. Milo wegen seiner Meisterwerke, die sich so kindlich geben.

Ich erschaffe meine Kunst ausschließlich für mich. Und ich will Kunstwerke schaffen, die für mich zeitlos sind, die irgendwie den Moment überdauern. Ich überprüfe die Schönheit meiner Arbeiten nach gewisser Zeit. Wenn ich das Bild lange ansehe und es dann noch mag, ist es gut.

Ich sehne mich nach Schönheit. Jeden Tag sehe und höre ich so viele böse und schreckliche Dinge in der Welt. Ich entscheide mich dafür, diesem Chaos nichts hinzuzufügen. Stattdessen ist es mir wichtig, einen ruhigen Platz von Mutter Erde zu zeigen, einen der vielleicht bedroht ist, einen, der mir meine Seele und Spiritualität wieder gibt. Einen der mich beruhigt und tröstet. Insofern geht es bei meiner Arbeit immer um Naturschutz, könnte man sagen, um Erhaltung dieser Welt, um die Ehrung der Natur, ihre Pflege. Denn ich fürchte wirklich um ihre Zukunft.

Ich strebe nach Einfachheit, ich habe immer nur eine kleine Ausrüstung mit. Normalerweise ein einfaches Standardobjektiv. Ich habe mich entschieden in Monochrom und Sepia zu arbeiten und drucke nur auf weichem matten Künstlerpapier. Meine Arbeiten sollen diese Einfachheit in allem widerspiegeln. Ich arbeite im quadratischen Format; schon früher, während meiner Schulzeit, habe ich im Mittelformat und 1:1 gearbeitet.

Und indem ich meine Arbeit einfach halte, kann ich mich darauf konzentrieren, was meine Gefühle, was meine Intuition mir sagen. Es ist wie eine Unterhaltung, die zwischen mir, also meinem rationalen bewussten Selbst und meinem Unterbewusstsein stattfindet. Oft liegen diese Unterhaltungen und Erkenntnisse Jahre auseinander. Und indem ich meine Arbeit mit anderen teile, biete ich Ihnen gewissermaßen an, an dieser inneren Konversation teilzunehmen. Ich teile meine monochromen Zeichnungen und Bilder, die Schönheit der Orte, die ich liebe.Bio:

Bio:

Len began his obsession for photography in the late sixties when his father gifted him his first camera. Growing up in Australia’s spectacular Blue Mountains provided Len with an endless array of incredible scenes to capture. He particularly loves the light and mood of misty wet landscapes, abundant in that region. Naturally, Len pursued a Bachelor of Visual Arts in Photography and graduated with straight distinctions, also receiving the coveted award for ‘Most Outstanding Advanced Colour Photographer’. However, education had also captured Len’s attention as he had been teaching Outdoor and Environmental Education to pay his way through University.

This other passion coupled with a growing sense of disillusionment with the art world saw Len excel in the world of education for the next 20 years. During this period, he undertook a Graduate Diploma in Art Education and a Master’s Degree in Adult Education. His reunion with photography occurred at the conclusion of a three year lecturing tenure in the Middle East and he found that the love he had for photographing the natural world had flourished while he was otherwise engaged.

Len opened his first gallery in 2000 in Katoomba. Combining his flair for both education and photography made perfect sense and hence, Len’s School was created in 2001, when visitors to his gallery started asking him to teach photography. Len has become renowned as a leading photographic educator through teaching, mentoring and facilitating innovative workshops and tours.

His exquisite photographs capture diverse Australian landscapes, from arid deserts and windswept coasts to his backyard in the Greater Blue Mountains World Heritage Area. He has exhibited widely and writes for photography journals around the world.

Other Len's qualifications education and training:

- Master of Education (Adult Education), University of Technology, Sydney
- Graduate Diploma in Education (Art Education), University of Sydney
- Certificate IV Workplace Trainer and Assessor, University of Technology, Sydney
- Bachelor of Arts (Visual Arts - Photography major), City Art Institute, Sydney
- Diploma in digital imaging, Western Sydney TAFE NSW

Interview:

1. WICH IS THE CENTRAL QUESTION IN YOUR LIFE AS A PHOTOGRAPHER?
I search for beauty in nature and in humanity. I look for simplicity and form. I search for understanding. Gaia brings me peace, and it is this peace that I wish to share with the world.

2. WHO ARE THE PHOTOGRAPHERS / OR OTHER ARTISTS THAT INSPIRE YOU?
Peter Dombrosikis is my personal photographic hero. His work of Tasmania inspires my search for beauty. An original Wilderness Photographer committed to saving the precious forests and rivers of Tasmania. For years I worked with a similar view camera, only photographing gazetted world heritage wilderness areas. Edward Weston, Wynn Bullock, Shinzo Maedo, Micheal Kenna, David Ward. Mark Rothko, Miro, Kandinsky.

3. WHAT MAKES AN EXCELLENT PHOTOGRAPHER?
Passion to express the inner self through a mature visual literacy. Technically polished works of art that are fully resolved.

4. WHAT WAS THE HARDEST PART ABOUT DECIDING TO BECOME A FULL-TIME PHOTOGRAPHER?
Fate forced my hand, one day I was still working part time, and teaching photography part time, then the next week I was a full-time photography educator. I haven't looked back since.

5. WHAT MOTIVATES YOU IN YOUR WORK AND WHAT IS DEMOTIVATING?
My passion is to produce meaningful works of art. Photographic art works that stand the test of time, that grow and develop, they mature the longer you look at them. If a photograph doesn't pass the test of time, it becomes worthless in my eyes. Each time I look at one of my great photographs and I find myself loving it even more, it then passes my test of time. This in itself is the intrinsic reward for me. Negative critiques are personally the most damaging, they interfere with my creative process. I find myself disappointed when a viewer asks to see a colour photograph or prefers the mainstream over-saturated images that dominate our social media feeds and popularity contests.

6. WHAT ARE THE MOST PASSIONATE MOMENTS IN YOUR WORK?
The excitement of a physical photographic print is the most precious object. Holding it in my hands, seeing it in all its glory at its intended size, beautifully printed on soft cotton rag paper. A photographic print is an object of beauty, one to be collected, preserved, revered and celebrated. A photographic print being exhibited is the ultimate moment of passion in my life as a photographer.

7. WHAT ARE THE MAIN CHALLENGES IN YOUR WORK?
The greatest hurdle in my photographic work has been taming the inner critic. The critic that judges and listens to others. Learning to trust one's own inner instinct, to listen to one's intuition, and follow one's feelings. As I age and become accepted as an artist, this critical voice diminishes, and one becomes more confident in finding that inner voice in my work. My voice keeps getting stronger, the images become clearer, and the artworks become more refined.

8. HOW DID YOU DEVELOP YOUR ARTISTRY?
A life time of visual practice and study. I have studied the visual arts, in painting, drawing, printmaking (etching and lithography), botanical illustrations. Studying art history and great works of art is as informative as that inner reflection of one's own work. Having great mentors have helped in my journey, as has been the point where my heroes became my peers.

9. WHAT IS YOUR MAJOR PERSONAL LEARNING IN PHOTOGRAPHY THAT YOU WOULD CONVEY TO A "NOVICE"?
"Make art for yourself... make it the best you can... devote your time to getting better... make prints and books and physical objects... show it to the world... enjoy when someone else appreciates it... feel blessed if someone ever buys it... work on meaningful projects... learn to write about your work... and don't stress about it, for we do it for love and happiness."

10. WHICH ARE THE DRIVING FORCES FOR YOU PERSONALLY AND IN YOUR WORK?
My passion for the natural environment is unrelenting. I spent years as an environmental educator working directly with children and teaching environmental values. I believe that I gain my spirituality and soul from mother nature, and I devote my life to saving it. Environmental preservation is the heart of my story. As a perfectionist, I am for beautiful enduring works of art, that stand the test of time. Ones that stand the scrutiny of a mature art world, rather than the following the pack of mediocrity and sensationalism. I search for my own unique voice.

11. WHICH FEELINGS DETERMINE YOUR WORK WHEN OUT IN THE FIELD?
I have to be in a peaceful relaxed headspace and feeling connected to the environment around me before I can even contemplate creating photographic art. It is not a switch I can just turn on. I have to be inspired by the light and by the place. It has to overwhelm me with beauty. Once I reach this internal quietude, the photographic process flows, and I become engrossed my passion for creating art.

12. ON WHICH CRITERIA DO YOU JUDGE YOUR OWN WORK AS SUCCESSFUL?
It is a great work of art if I want to keep looking at it. The longer I want to keep looking at it the better it is. If I have to keep coming back to look further the better it is. I put my prints on the wall and live with them. If they stand the test of time, and I still love the photograph a year, or ten years later I know I have unique and beautiful works of art. Time is the answer.

13. YOUR PHOTOGRAPHIC WORK AND THE BEAUTY OF OUR PLANET, NATURE: WHAT CONNECTION DO YOU SEE?
I see nature as the ultimate composition. The subtle nuances as mother nature grow's, wears, develops, dies, regenerates, flourishes and withers is the most beautiful symphony on this planet. Humanities attempts at beauty pale into insignificance. It is with this inspiration I can at least try to create beautiful works of photographic art.

14. ASSUMING YOU WOULD HAVE 15 MINUTES ON A TV BROADCAST AND PEOPLE ALL OVER THE WORLD COULD LISTEN AND UNDERSTAND WHAT YOU WERE SAYING, WHAT WOULD BE THE CORE OF YOUR MESSAGE TO THE PEOPLE?
Look after the planet and mother nature. She is growing weary of us, listen to her voice. The rise in storms and extreme weather events is her yelling at us to take stock and stop the rape of her forests, rivers, and minerals. She is our life blood, our water source, our food source and our breath. Without nature, we will suffocate, dehydrate and starve. Yet we progress onwards in our plight of consumerism, commercialism and endless fighting. Climate change is real. Look to Gaia for our spirituality and for our nurturing peace. Once we loose the beautiful environment, there is no turning it back.

At Work:

»I see nature as the ultimate composition. The subtle nuances as mother nature grow's, wears, develops, dies, regenerates, flourishes and withers is the most beautiful symphony on this planet. Humanities attempts at beauty pale into insignificance. It is with this inspiration I can at least try to create beautiful works of photographic art.«

Publications:

- Journeys of the heart, Jody Rose, Arbon Publishing 2015
- Photography Compendium, Australia, Bob Kersey & Mary Meyer, Daylight Productions, Sydney
- XOXO Magazine Issue #1 Nov 2013
- Better Photography, regular contributor, 2013, 2014, 2015, 2016, 2017
- Australian Photography, 2012, 2013, 2014, 2015
- Camera Review, 2014, 2017
- Australian photography and gallery compendium 2011, Bob Kersey, Daylight
- Productions, Sydney
- Mediapedia, creative tools and techniques for camera, computer and beyond, 2009, Kit Laybourne, The Global Pequot Press, Connecticut
- Studio Bambini 2005

Awards:

- Olive cotton portrait awards - finalist 2011
- Willoughby Municipal Art Exhibition, Highly Commended, “Belmore Falls Series”, Kangaroo Valley. 1988
- Graduating Students Exhibition, City Art Institute, NSW Institute of the Arts, awarded Best Overall Advanced Colour Photography, photographic installation, 1987
- 5th Annual Lloyd Rees Youth Art Award, Awarded Second Prize, Open Section, photo-realistic watercolour “Autumn Leaves”, 1984

Projekt: Flesh and Stone

Flesh and Stone ist ein langfristiges Projekt und bildet eine Untergruppe in einem anderen Werkkörper mit dem Titel „Nackte Landschaften“. In beiden Sets erkunde ich die Verbindung zwischen Mensch und Natur. Ich denke, wir gewinnen unsere Spiritualität vor allem von Mutter Natur, von Gaia. Und so denke ich auch, dass wir einen Teil unserer Geistigkeit verlieren, wenn wir uns von der Natur zu sehr entfernen.

In diesen Arbeiten bin ich also daran interessiert, diese Verbindung zu erforschen. So tragen alle Bilder Namen von Göttern aus unserer Geschichte. Jedenfalls derjenigen, die eine geistige Verbindung mit Mutter Erde hatten. Ich erforsche hier unsere historische Verbindung mit der Natur, zwischen Stein und Menschheit.

In dieser Werkgruppe kontrastiere ich das weiche, kurzlebige Fleisch der Menschheit mit dem harten und langlebigen Gestein ​​des Planeten. Diese Felsen haben alle Tiere und Pflanzen auf dem Planeten bereits weit überlebt. Sie sind prähistorisch, stammen aus unserer Vorgeschichte.

Ich interessiere mich für die skulpturalen Formen der menschlichen Gestalt und der Erde. Wie sie interagieren. Wie sie sich gegenseitig verstärken. Ich suche nach der Schönheit im Menschen und in der Natur. Und ich hoffe, wir können unsere Spiritualität von Gaia zurückgewinnen. So wie ich hoffe, dass wir noch rechtzeitig aufwachen und anfangen unseren Planeten zu bewahren, zu nähren und zu retten.

Projekt: A stroll down Furber Steps

Diese Bildserie ist die Untersuchung eines kleinen Gebietes, die ich über ein ganzes Jahr hinweg durchführte. Furber Steps ist eine kleine Schlucht, die einen von der Hochebene an der Spitze der Katoomba -Fälle bis hinunter in das Buchgebiet und den üppigen Regenwald führt. Dies ist meine Lieblingslandschaft geworden; ich erkunde sie regelmäßig. Und sie ist die schönste Gegend der Stadt, in der ich geboren wurde. Jedes Mal, wenn ich hierher zu Besuch komme, komme ich nach Hause. Die hohen Wände umarmen und drücken mich an sich. Die Schlucht füllt sich regelmäßig mit Nebel, und das führt zu meinem Lieblingslicht für die Arbeit. Nasser, kalter, dicker, schwerer Nebel, der hier oft vom Damm unten aufsteigt.

Die meisten dieser Fotografien sind Teil einer größeren Serie. „Ich spreche für die Bäume, denn die Bäume habe keine Zungen", sagte der Lorax in Dr. Zeus' berühmtem Buch über die Gefahren von Industrialisierung und den Mangel an Naturschutz. Dieses Projekt ist sehr groß angelegt und das größte überhaupt, an dem ich in den letzten zwanzig Jahren konsequent gearbeitet habe. Ich fotografiere gerne Bäume und fühle eine tiefe Erschütterung, wenn ich einen sterben sehe oder dass er gefällt wird. Ich habe eine wirkliche Angst davor, dass wir viel zu viele viel zu schnell verlieren.

Furber Steps kann einen zunächst überwältigen. Dieses wilde Durcheinander von Bäumen, Farnen und dieser ins Tal stürzende Bach. Aber es macht mir große Freude, innerhalb dieses Chaos eine visuelle Ordnung zu finden, um in einer solch ruhigen Umgebung Schönheit zu schaffen.

Projekt: Mystique

Ich fotografiere am liebest im Nebel. Das Bild, das entsteht ist sofort mit etwas Geheimnisvollem erfüllt. Die Dinge liegen im Verborgenen. Die Tiefe wird fast automatisch verbessert, die Töne werden akzentuiert. Nebel reinigt und versteckt gleichzeitig. Er schafft Kontraste und Helldunkel.

Und Nebel beruhigt mich. Er macht mich immer glücklich. Ich weiß nicht, was zuerst da war. Der Nebel, der mich so glücklich machte, oder war es, weil meine Bilder im Nebel anfingen zu singen. Ich erinnere mich nicht mehr. Mit dem Regen verhält es sich ganz ähnlich, allerdings mit dem Nachteil, dass es dann überall komplett nass ist.

Nebel nimmt den Dingen das Alltägliche und macht sie zu etwas Außergewöhnlichem. Es erhebt die Landschaften irgendwie und schafft eine Art fotografischer Glückseligkeit.

Ich hänge wirklich am Nebel. Sonnige Tage sind so langweilig. Tage mit dickem ruhig daliegendem Nebel hingegen, sind irgendwie belebend.

Projekt: Oceans Incarnate

Das Meer hat immer etwas Romantisches und Beruhigendes für mich, trotz seiner vielen unterschiedlichen Stimmungen. Es kann sehr ruhig oder sehr aufgewühlt sein, es kann jede Stimmung haben. Aber diese enormen Wassermassen haben immer etwas Entspannendes. Sie tragen einen woanders hin. Ich sitze oft still auf einer der felsigen Landzungen hier, ganz glücklich, einfach so, stundenlang und schaue vor mich hin. Ich bin dann oft so vertieft in diesen Anblick, dass ich darüber das Fotografieren vergesse.

Das Meer erlaubt mir, mein Lieblingsmotiv zu erkunden, nämlich den sog. ‚negativen Raum‘. Ich fotografiere gerne nichts, die Zwischenräume. Das zentrale Motiv und der Hintergrund. Ich lege regelmäßig mehr Gewicht auf den Hintergrund. Und die fotografierten Objekte verlieren sich dann in diesem riesigen Raum. Einfach eine lange Belichtung und die Wellen glätten sich, das Wasser ist dann verschwunden und wird durch eine Art milchiger Sanftheit ersetzt. Eine große Ruhe breitet sich aus und die Kraft der Wellen kann -so will mir dann scheinen, leicht gezähmt werden.

Die Weltmeere gehören niemandem. Wahres neutrales Territorium. Der eine Ort, an dem einige ihre Freiheit finden. Die Meere sind romantische Orte voller poetischer Abstufungen. Ein visuelles Festmahl. Eine Geschichte über die Zeit, die Beachtung verdient.

Wenn das Meer ans Ufer schlägt, so liegt darin große Stärke. Eine solche Macht, eine solche Intensität. An dieser Stelle gestalte ich gerne meine Kompositionen. Weit weg von einer mondän anmutenden Landschaft. Ich interessiere mich schon immer dafür, diese Kraft zu verstehen, ihre Bedeutung und ihre Präsenz. Es ist tatsächlich so, dass ich meinen Frieden finde, wenn ich das fotografiere.

Projekt: Restless Waters

Ich bin von Wasser regelrecht angezogen. Wie das Wasser gehe ich selbst den einfachsten Weg den Hügel hinunter. Wasser ist für mich das Blut des Lebens, neben ihm findet man immer die interessantesten Dinge. Ich liebe zum Beispiel das üppige grüne Laub und Moos direkt am Wasserrand. Dann die weichen, nassen Ufer. Der schlüpfrige Schleim. Das intensive Grün. Das dichte Laub.

Wasser ist also das Lebenselixier eines Ökosystems. Es nährt und tränkt. Es erschafft das Leben und erhält es. Unsere Gesundheit hängt von der Gesundheit der Wasseradern ab. Es tut mir physisch weh, wenn ich an Flüsse komme, deren Ufer durch Rodung völlig entblößt wurden, oder die begradigt und eingedämmt wurden und nun völlig tot sind. Es macht mir große Sorge, dass der Drei-Schluchten-Staudamm so groß ist, dass er die Erddrehung verändert hat. Wir kämpfen um Wasser. Wir müssen es in Flaschen kaufen.

Ich interessiere mich für die Pflanzen, die am Rande der Flüsse überleben. Ihre Beziehung mit dem fließenden Wasser. Wie sie wachsen. Wie sie die zerstörerischen Überschwemmungen und die furchtbaren Dürren überleben.

Das Schauspiel von Leben und Tod scheint mir am Rande von Gewässern deutlicher. Ich mag es, die Zeit, den sanften Fluss des Wassers und die Strömungen darin zu erforschen. Ich erkunde die Muster im Wasser. Und ich liebe es, das Wasser fotografisch als ‚negativen Raum‘ um die Ufer herum zu benutzen, es in seiner eigenen Form für die Bildgestaltung zu nutzen. Meine eigene Ästhetik für ‚weiches Wasser‘ kam zustande durch ‚langsame‘ Filme, ältere Kameras und kleinere Blenden. Ich habe so viele Jahre mit einer Balgenkamera fotografiert, ‚langsamen‘ Filmen… und so habe ich mich einfach in den Look längerer Aufnahmen von Wasser verliebt. Und diese Arbeitsweise setze ich mit meinen Arbeiten zu Bächen und Flüssen fort.